Análisis Musical 5.º. Conocimientos y recursos para comprender la música del Barroco, Preclasicismo y Clasicismo. David Heredia García

11. MÚSICA Y FORMAS INSTRUMENTALES EN EL PRECLASICISMO

“Hasta ahora [en el año 1713] se exigía en una buena composición tan sólo dos elementos, melodía y armonía, pero hoy día se consideraría muy deficiente si no se incorporara un tercer elemento, la galantería. En todo caso, esta galantería no se puede enseñar ni encerrar en reglas precisas.”

Johann Mattheson. Critica Musica.

11.1. El nuevo estilo galante

Con esas palabras introductorias definía Mattheson un nuevo estilo, una nueva estética y forma de afrontar la música distinta al Barroco. Las ideas provenientes de la Ilustración también llegaron a la música, fueron tiempos de muchos cambios, de confrontación contra el sistema religioso impuesto y a favor del sentido común, de la psicología empírica, de las ciencias y de la libertad del individuo.

El nuevo estilo galante o ‘la galantería’ como la define Mattheson es la avanzadilla del gran cambio que estará por acontecer en las tres grandes figuras del Clasicismo: Haydn, Mozart y Beethoven. Toda una generación de preclásicos que preparan el cambio de 160º con respecto a la estética anterior barroca. Buscan, no impresionar con su técnica, sino halagar con la expresión, con el arte del adorno refinado, sutil, colorista, que rehúye de la armonía y contrapunto sobrecargado del Barroco.

11.1.1. François Couperin

Al igual que sucedió en Alemania con la familia Bach, los Couperin formaron una de las más ilustres dinastías musicales de la historia. En 1668 nace François Couperin, en el seno de dicha familia musical. Comenzó su carrera como organista y acabó en la corte de Luis XIV en Versalles, quien le fichó personalmente.

Couperin compuso 27 suites (u ordres como él las denominaba) bajo el título de Pieces de Clavecin. Se publicaron en cuatro tomos en los años 1713, 1717, 1722 y 1730 respectivamente. Fue una figura de gran relevancia en el panorama musical de Francia.

«La suite […] floreció en las manos de los laudistas y clavecinistas para trasvasarse pronto en orgánicos más nutridos, en trío o en la más orquestal escritura a cinco partes- Francia vivió una verdadera explosión de notables compositores para clave […] culminada por las figuras de François Couperin y Jean-Philippe Rameau»1.

Como casi todos los compositores franceses de la época del Preclasicismo, los adornos escritos tenían un significado explícito y debían interpretarse de una manera determinada. De hecho, en el prefacio de los tomos publicados por Couperin, él mismo detalla minuciosamente cada símbolo ilustrando gráficamente su modo de ejecución e incluyó recomendaciones que revolucionaron la forma de digitar las obras en su época.

Para referirnos a su música, vamos a leer las palabras que le dedica la musicóloga Nydia Font, en su artículo Una visión del siglo XVIII a través de su música de teclado:

«Una suite de Couperin puede contener desde unas pocas hasta veinte formas bailables, encadenadas por una tonalidad común. Presentan la melodía en la voz superior con un acompañamiento sencillo en el bajo. Su textura es liviana, diáfana, pero muy compacta […]. Todos los personajes y situaciones que en alguna forma tocaron su vida, aparecen en la obra de Couperin como pinturas en una galería de arte. Conjuntamente a los recuerdos de su niñez y adolescencia en Croilly, se pasean damas y caballeros de la corte, gente de circo, soldados, y hasta el mismo rey. Dentro de un marco de perfecto equilibrio estructural y emocional, Couperin logra la fusión total de los elementos tradicionales franceses con las influencias italianas reinantes en su medioambiente. Rigen su obra una poderosa imaginación y un refinamiento extraordinariamente depurado»2.

11.2. La sonata preclásica

11.2.1. Contextualización: influencias de la futura forma sonata

Uno de los legados más importantes del Preclasicismo fue la sonata preclásica, la antesala de lo que más tarde, en el Clasicismo, cristalizará como la forma sonata –símbolo del equilibrio y estructuralismo que nace con la figura de Joseph Haydn–. Dicha forma sonata, esencial para entender la música del Clasicismo y Romanticismo, no hubiera existido nunca de no ser por las diferentes características que aportaron los compositores preclásicos. Es Haydn, padre de la forma sonata y de las distintas estructuras que definen los movimientos de una sonata (tal y como se entiende en el Clasicismo y Romanticismo) quien sintetizó y aunó esas características en su obra.

Dichos rasgos estructurales, armónicos y compositivos, en general, que heredó Haydn de sus predecesores preclásicos son algunos de los siguientes:

  • Giovanni Battista SAMMARTINI. Compuso numerosas obras de orquesta bajo el título de sinfonías. Sus obras estaban muy influenciadas por el Barroco tardío:
    • aunque sigue utilizando la estructura binaria tipo suite, de él se hereda una búsqueda por el contraste entre partes de los distintos movimientos a través de las texturas. Además, al final de los movimientos regresa al material y tónica principales.

  • Domenico SCARLATTI. A través de sus más de 500 sonatas para teclado estableció un rasgo común en ellas:
    • también se rige bajo la forma binaria tipo suite pero ya presenta una clara oposición tonal, la polaridad (oposición entre tónica y dominante) que define la forma sonata en su estructura.

  • Carl Philipp Emmanuel BACH. Hijo del gran maestro del Barroco, Carl inició una búsqueda hacia un nuevo estilo distinto al de su padre. En sus sonatas:
    • explora nuevas posibilidades modulatorias (a tonos más lejanos que los vecinos) y el material temático está sumamente individualizado. Es decir, que a cada tonalidad de tónica y dominante se le asocia material melódico-rítmico distinto, opuesto y característico.

Todas estas características y otras de la tradición vienesa y noralemana se condensan en la figura de Joseph Haydn, a lo largo de su prolífica obra. El filósofo Eugenio Trías lo define como «un artesano, un carpintero, capaz de desencadenar ese “artesanado furioso” que terminó siendo la forma sonata y la gran música sinfónica y de cámara de los siglos XIX y XX»3.

11.2.2. Carl Philipp Emanuel Bach

Nace en Weimar en 1714 en el seno de una familia de músicos. Su padre, el viejo Bach, le enseñó a tocar el clave. Acabó convirtiéndose en uno de los compositores más relevantes de la segunda mitad del siglo XVIII y fue especialmente admirado como profesor y compositor.

Compuso más de trescientas obras para teclado que, en su mayoría, respetan una estructura tradicional proveniente de la suite barroca y que representan las características del empfindsamer Stil (que se menciona en la unidad 10). Sus movimientos solían ser tres, en alternancia de rápido-lento-rápido.

Además del repertorio para tecla, Carl Philipp compuso diferentes obras para voz e instrumentos como son: 22 Pasiones, 2 oratorios, 19 sinfonías, 15 conciertos y unas 200 obras de cámara. La música de Carl Philipp, sin desligarse por completo del pasado barroco, rompe radicalmente con el estilo practicado por su padre. Como señala el músico Juan Manuel Viana en uno de sus escritos:

«(…) desarrolló una escritura muy personal cuya fuerza expresiva viene servida por frecuentes cambios de atmósferas y dinámicas, súbitos silencios, yuxtaposiciones de ritmos contrastados y estructuras irregulares o asimétricas. Elementos que contribuyen a traducir una sensibilidad exacerbada que, en muchas ocasiones, anuncia no sólo a sus sucesores inmediatos en el siglo XVIII, sino incluso a alguno de los primeros románticos»4.

11.2.3. Domenico Scarlatti

Nace en Nápoles, en 1685, el mismo año que llegan al mundo otros dos grandes compositores: Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich Händel. Se formó en una familia de músicos, puesto que su padre fue también compositor y muy conocido en la época por escribir óperas. Con 31 años acabó en la corte de la infanta Bárbara de Braganza, en Lisboa, como maestro de clave. El matrimonio de esta con el príncipe heredero español Fernando llevó al compositor a Madrid en 1728, con 43 años. Allí permaneció hasta su muerte, con 71 años.

Su legado compositivo de obras para teclado es inmenso. Han llegado hasta nuestros días, nada más y nada menos, que 555 sonatas. Todas ellas compuestas en un solo movimiento que representan su talento, expresión musical y su gran habilidad sobre la armonía tonal. Además, Scarlatti representa una figura esencial para la técnica en instrumentos de tecla –como el clavecín en su época– y para el futuro pianoforte.

Además, cabe señalar que Scarlatti fue el maestro del Padre Antonio Soler, una de las figuras compositivas más importantes de la música española.

En casi todas sus sonatas encontramos la estructura binaria tipo suite barroca encuadrada por casillas de repetición. No obstante, en su interior, Scarlatti, además de oponer las tonalidades, también presenta distintos materiales melódico-rítmicos. Sus sonatas se pueden englobar, de forma general, en dos esquemas principales:

– Sonata tipo 1 “Cerrada”

||: A (a1, a2…) + transición + B (b1, b2…) + Sección de cierre :||
||: C (se inicia con el mismo material que la primera parte pero distinta tonalidad) + B + Coda :||

– Sonata tipo 2 “Abierta”

||: A (a1, a2…) + transición + B (b1, b2…) + Sección de cierre :||
||: C (se inicia con material distinto o transformado de A o B, como un desarrollo) + A + B + Coda :||

Este segundo tipo es el que más se asemeja a lo que en el Clasicismo con Haydn se establecería como forma sonata. En su segunda parte, tras la Sección C (un buen precedente de lo que después se denominaría como Desarrollo) puede o no aparecer el material de A y B. O también podría sólo a aparecer uno de los dos.

ANEXOS UNIDAD DIDÁCTICA 11

Audios recomendados

La música del Preclasicismo influyó considerablemente en la generación siguiente de clásicos, pero también en algunos compositores del siglo XX que buscaron revivir y reinterpretar la estética del pasado en un nuevo estilo llamado Neoclasicismo.

  • Hommage à Rameau (1903-07), de Claude Debussy
  • La tombeau de Couperin (1917-19), de Maurice Ravel
  • The birds (1927-28), de Ottorino Respighi

La obra entera son orquestaciones de Respighi de temas del Preclasicismo y Clasicismo. El tercer movimiento titulado “La gallina” (The hen) está basado en una obra de Jean-Philippe Rameau.

  • Sonata alla Scarlatti para arpa (1977), de Germaine Tailleferre
  • La promenade d’un musicologue éclectique, Pieza n.º 3 “Hommage à Domenico Scarlatti” (1987), de Jean Françaix

Lectura

Artículo: Una visión del siglo XVIII a través de su música de teclado
Autora: Nydia Font

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